Inzwischen taucht öfter die Frage auf, welche Effekte zur Erzeugung des Raumklangs für die Demo-Aufnahmen auf stompology.org verwendet werden. Zuletzt von einem befreundeten Musikerkollegen.

Es ist erfreulich, dass das Klangbild der „Stompo-Aufnahmen“ von Interesse ist. Zeigen die Nachfragen doch, dass es inzwischen besser gelingt einen ansprechenden „Vintage-Sound“ herzustellen. Dieser Artikel beschreibt den bisherigen Weg der hier gelegentlich vorgestellten Demo-Songs.  

Aufnahmesituation

Die Angaben beziehen sich auf Mono-Aufnahmen, die im Sound der Aufnahmen der späten 50er und frühen 60er Jahre klingen sollen. Bei Stereoaufnahmen kann es mit dem hier beschriebenen Verfahren unter Umständen zu Problemen bei der Verwendung von Slap Back Echos kommen.

Alle Instrumente werden einzeln Spur für Spur aufgenommen. Es geht nicht um die Aufnahmen einer Band, die zusammenspielt. Leider!

Der Aufnahmeraum ist sehr klein und schallgedämpft. Es gibt so gut wie keinen natürlichen Raumklang in den „Stompo“-Aufnahmen.

Klangbeispiel

Zu unterscheiden sind Delay (Echo) und Reverb (Hall) Effekte. Sehr vereinfacht gesagt: das Delay wiederholt ein Signal und ein Reverb zieht es in die Breite, so als würde man in einem großen Raum singen. Beide Effekte sorgen für Tiefe und Staffelung eines Gesamtklangs einer Aufnahme. Jeder Effekt auf seine eigene Art.

Das Schlagzeug

Die Hallerzeugung (Reverb) erfolgt schon während der Aufnahme mit der Hardware „echter Federhall“ aus dem Eigenbau. Ein kurzer und dezenter Nachhall soll genügen. Dann spielt man auch besser nach meiner Erfahrung. Denn das Mitgehörte beeinflusst das Spielgefühl und damit die Schlagtechnik.

Die Nachbearbeitung erfolgt meist mit der Software „Tal-Reverb“ unter der Einstellung „ Small Drum Plate“ (siehe Screenshot nachfolgend unter „Akustische Gitarren“).

Der E-Bass

Hall- und Echo-Effekte werden nicht während der Aufnahme verwendet. Nur bei der Erstellung des Masters aller Spuren kommt ein leichtes Band-Echo hinzu. Dieses wird mit der Master-Maschine erzeugt, siehe nachfolgend unter „Master“. Dabei sollte es beim E-Bass nach meiner Erfahrung unbedingt bleiben.

Akustische Gitarren

Western-Gitarren werden für die Stompo-Demos meist nur zum „Füllen“ verwendet und recht weit „hinten“ im Raum angesiedelt. Das geht mit der Software Tal-Reverb Version II unter der Einstellung  „Big Wet Plate“, siehe Screenshot.

Wird die Gitarre lediglich zum Füllen und für den Drive benutzt, kann sie weit nach hinten gemischt werden, muss aber eine starke Komprimierung erhalten. Schaltet man sie aus dem Mix ab, sollte man merken, das jetzt „irgendwie“ etwas fehlt.

E-Gitarren

E-Gitarren werden in den Stompo-Demos deutlich weiter im gehörten Raum (Klangbild) nach „vorne“, also näher zum Ohr gebracht als die Western-Gitarren. Dabei sind die  elektrischen Rhythmusgitarren bei der Aufnahme meist völlig clean (rein, sauber, trocken) oder mit der Hardware Alesis Microverb II mit der Einstellung „Small 4“ aufgenommen.

Die Nachbearbeitung erfolgt je nach Gesamtklangbild mit der Software Tal-Reverb bei der Einstellung „Short Plate“ zuzüglich des Audacity Programmhalls „kleiner Raum“. Stichwort: frühe Reflexion.

Dominante E-Gitarren (Solos und Akzente) sind gleich bei der Aufnahme mit einem Röhrenamp meist nur leicht verzerrt aufgenommen. Dabei ist am Verstärker das Programm Reverb deutlich hörbar aufgedreht. Es erfolgt keine weitere Hall- oder Echo-Nachbearbeitung mittels Software.

Gesang

Neuerdings nutze ich Valhalla Supermassive mit der Einstellung „Gemini“. Genaue Parameter sind im Screenshot zu sehen. Es entsteht ein sehr angenehmes leichtes „Schlag zurück Echo“. Etwas altmodisch, so wie angestrebt.

Aber Vorsicht: Das Programm reagiert heftig und man muss sich herantasten. Schon die kleinsten Einstellungsänderungen haben große Wirkung.

Mastern wie damals – Der letzte Schliff mit einer Bandmaschine

Die absolut letzte Bearbeitung (das Mastern) ist enorm wichtig für das 50er Gefühl. Sie ist eine Art Kleister, der alles zusammenhält. Zunächst  erzeugt eine hoch ausgesteuerte Bandmaschine mit der Bandsättigung weiche Höhen und eine spürbare aber „freundliche“ Verdichtung (Kompression).

Zu viel Kompression zerstört das Flair. Die Bandkompression ist ein guter Weg auch für diejenigen, die beabsichtigen ihre Songs auf Vinyl (Schallplatten) pressen zu lassen.

Daneben kann im Rock’n‘Roll und im frühen R&B ein „End“-Delay mit einem zweiten Tonkopf erzeugt werden. Aber bitte nur ganz leicht!

Dieser Delay-Effekt wirkt sich auf alle Signale der Aufnahmespuren aus und macht das Klangbild trotz der zuvor unterschiedlichen Effekte und Sounds zu einer homogenen Mono-Aufnahme.

Fazit

Natürlich ist das oben Ausgeführte nur die grobe Richtung und sie ist auch variabel von Song zu Song. Die Idee ist nicht die Umsetzung des Konzeptes Wall of Sound (Klangmauer) des Produzenten Phil Spector.

Lediglich das Spielen mit der Klangraum-Platzierung einzelner Instrumente durch die Erzeugung unterschiedlicher Intensitäten von Delay und Reverb sind dem Konzept entnommen.

Es funktioniert und man sollte keine Angst vor Experimenten haben. Es geht ja nicht um Leben und Tod, sondern um das spielerische Ausprobieren von Klanggestaltung im Raum.

Ich bin kein Tontechniker und habe den hier beschriebenen Weg durch Versuch und Irrtum eingeschlagen. Bestimmt kann man es besser machen. Ich freue mich über Tipps und Nachfragen.

Christian W. Eggers – christian@stompology.org – 13. Februar 2024 (letzte Aktualisierung am 5. März 2024) 

„Sizzle Ride Becken? Das sind doch diese Bleche, gespickt mit Nieten.“ Ja, ein wenig aus der Mode gekommen sind sie und zur Rockmusik passen sie auch nicht gut.

Sound-Beispiel für einen Sizzle Ride Becken Groove: Wonderful World von Sam Cooke

Reduzierte Spielweisen im Blues und Swing

Naturgemäß verursachen die Anschläge auf dem Sizzle Becken keinen prägnanten Anschlag, sondern mehr einen „verwaschenen“ Klang. Darin liegt die Stärke dieser Becken, wenn man sich auf weiche und wenige Anschläge beschränkt. So kann beispielsweise ein Blues-Song im 4/4 Takt in der Basis auch nur mit vier Beckenschlägen pro Takt grooven. Denn das lange Ausklingen des Beckens führt zu einem weichen Fluss. Besonders sanft und dennoch deutlich wahrnehmbar wird dieser Effekt mit den Jazz-Besen erzeugt.

Sizzle Ride Becken selber basteln

Wie man mit wenig Geld ein Sizzle Ride Effekt erzeugen kann, ist in einem Beitrag einer Musikschule hier zu lesen. Ich selber habe es nicht ausprobiert, sondern ein günstiges und leicht gebrauchtes Sizzle Ride Becken erworben.

Christian W. Eggers – 30. Januar 2024 – christian@stompology.org – (letzte Aktualisierung dieses Artikels am 2. Februar 2024)

Mit diesem Artikel soll gezeigt werden, wie Du im Stil der 70er Jahre Rock’n’Roll spielen kannst.

Zur Anschauung des Ur-Rock’n’Roll-Riffs dienen drei Songs: Get It On von T.Rex (1971), Long Cool Woman von The Hollies (1972) und eine inzwischen etwas verborgene Perle des deutschen Rock’n’Rolls: Für mich ist es Rock’n’Roll von Wolfsmond (1982). 

Häufig wird gesagt: „Rock’n’Roll ist schnell gespielter Blues.“ Damit entsteht ein Missverständnis, das die Entwicklung von Spielweisen des Rock’n’Roll zu einem eigenen Genre unberücksichtigt lässt.  

Gemeinsam ist diesen drei und stellvertretend genannten Songs eine Spielweise, die auf ein einfaches Blues-Gitarren-Riff zurückzuführen ist. Nur kleine Änderungen hieran ermöglichen aufregende Grooves, die eine Tür zum Rock‘n’Roll an der Schwelle zur Rockmusik öffnet.   

Der Ursprung – Ein einfaches Gitarren Blues Riff

Richtig ist wohl, den Ursprung des Rock’n’Roll auf eine einfache und grundlegende Spielweise des Boogie Woogie zurückzuführen. Die unten gezeigte Abfolge ist eine Spielweise im 4/4 Takt, die auch heute noch gerne am Boogie-Piano gespielt wird. Die Figur wird, eingedeutscht gesagt, „geshuffelt“ und gehört damit zu den sogenannten ternären Grooves.

Aus Swing werden „straight eights“

Ende der 50er Jahre vollzog sich eine Wandlung zu Kompositionen mit Rhythmen die mehr „gerade“, ohne den zum Beispiel bei Bill Haley dominierenden Swing, gespielt werden. Diese Auffassung wird als „binäre Rhythmik“ bezeichnet. Insbesondere die Songs von Little Richard und Chuck Berry trugen zu dieser Wandlung bei.

Neu war auch das Gitarrenspiel, das jetzt häufig auf Akkorde verzichtete und sich mit Zweiklängen begnügte. Dabei wurde ein perkussiver Charakter mittels des auf die Saiten aufgelegten Handballens erzeugt. Jetzt noch das Ganze auf eine E-Gitarre verlagert und siehe da! Die Rock-Gitarre war geboren.

Neue Akzente – Der „Und-Trick“

Auf der Basis dieses neuen Stils, der mit Chuck Berry seinen Lauf begann, werden „Und-Akzente“ (Offbeats) dem nunmehr „straighten“ Gitarrenspiel hinzugefügt.

Dabei wird eine winzig kleine Änderung der Abfolge der Zweiklänge vorgenommen: statt des erwarteten 6er-Zweiklangs auf den Und-Achteln folgt der Zweiklang, der auf den Achteln der Eins und der Drei gespielt wird. Hier im Beispiel ist es das „reine“ E.

Die wohl bekanntesten Songs, denen diese oder eine ähnliche Spielweise zu Grunde liegt und die durch sie geprägt sind, stellen die bereits oben genannten Songs Get It On von T. Rex und Long Cool Woman von The Hollies dar.

Eine entspannte und zurückgenommene Spielweise des oben dargestellten Gitarren-Parts taucht in Kompositionen von JJ Cale und Eric Clapton häufiger auf. Sie ist typisch für den sogenannten Tulsa-Sound.

In Ermangelung eines Fachbegriffs dieser Gestaltung einer Rhythmik, die für viele „den Rock’n’Roll der 60er und 70er Jahre ausmacht“, wird die Spielweise hier als der „Rock’n’Roll-Und-Trick“ bezeichnet. Mit „Und“ sind die Achtel-Offbeat-Akzente auf den Zählzeiten 2 und 4 gemeint.

Es geht dabei um die Noten, die nicht auf dem Puls, sondern als zweite Note eines Grundschlages in der Zweiteilung der Viertel zu Achtel gespielt werden. Das ist die „Und-Note“.

Zusammen mit der jetzt durchbrochenen strengen, gleichmäßigen Abfolge der Zweiklänge (siehe Grafik „Wandlung zur binären Spielweise), ensteht eine Gitarren-Rhythmik, die treibt (nach vorne drängt) und die sich gleichzeitig wieder auszubremsen zu scheint. Diese Spielweise einer Rhythmusgitarre im „gebremsten Schaum“ wirkt trotz der Redundanz nie langweilig. Sie ist sexy und inspiriert die Band zum Zusammenspiel rund um diesen Groove.

Weitere Akzente einer zweiten Gitarre

Das „Salz in die Suppe“ bringen zu der oben beschriebenen Spielweise die Akzentsetzungen einer zweiten Gitarre. Spätestens beim Einsetzten der zweiten Gitarre dürfte es schwer fallen die Füße noch ruhig zu halten. 🙂

Für mich ist es Rock’n’Roll

Der Song Für mich ist es Rock’n’Roll von Wolfsmond zeigt, wie man die oben beschriebenen Spielweise ein wenig variieren kann und nicht zwangsläufig in die großen Schuhe des Dinosauriers Get It On der Glamrock-Band T. Rex rutscht. Die Möglichkeiten sind unendlich. Nennt es wie Ihr wollt. Es kommt stets ein Groove heraus, über den sich sagen lässt: „Für mich ist es Rock’n’Roll!“

Wie immer wünsche ich viel Freude beim Ausprobieren! Besonders wünsche ich Euch den großen Spaß der dieser ebenso einfachen wie aufregenden Spielweise wiederentdecken zu können.

Christian W. Eggers – 15. Januar 2024 – christian@stompology.org (letzte Aktualisierung dieses Artikels am 16. Februar 2024)

Bildnachweis: Teaser-Foto „Plattenladen“ Mike Haupt / unsplash.com. Das Original-Foto wurde im Ausschnitt verändert und monochrom getönt.

Stompology.org geht in das vierte Jahr. Im zurückliegenden Jahr 2023 hatte diese Website über 13.000 Aufrufe. Darüber freue ich mich sehr! Danke!

Die meist gelesenen Artikel befassen sich mit dem R & B Groove, der einst die Welt schockierte: dem Bo Diddley Beat. An zweiter Stelle folgt ein Artikel, der sich nicht mit dem Trommeln befasst. Großes Interesse bestand an dem Testbericht über eine preiswerte Stratocaster-Kopie, der „Axman Strat„, die einst über Lidl zu beziehen war. Und der dritte Platz geht an den Artikel über die swingenden Grooves.

Ich wünsche allen Leserinnen und Lesern den Mut, Träume zu verfolgen und die Ruhe, das Beste aus jedem Moment zu machen. Auf ein erfülltes und anregendes neues Jahr mit viel Zeit für die Musik!

Christian W. Eggers – 31. Dezember 2023 – christian@stompology.org

(Letzte Aktualisierung am 22. März 2025)

Shuffle-Grooves mit den Sticks spielen erfordert Ausdauer beim Einüben. Es bedarf einer guten Technik, damit die dem Shuffle innewohnende Mischung aus Entspannung und Treiben über die Dauer eines Songs konstant durchgehalten werden kann.

Leichter fällt es vielen Musikerinnen und Musikern Shuffles mit den Jazzbesen zu spielen.

Einfach und effektvoll – Die RLRL-Spielweise mit den Besen

Eine sehr einfache und dennoch attraktive Spielweise ist der „angewischte“ Shuffle. Angewischt deshalb, weil die Besen nach dem Auftreffen auf das Schlagfell ein wenig auf dem selbigen bewegt werden. Einfach ist auch der Handsatz mit RLRL zu spielen.

Die Beinarbeit

Die Beinarbeit beschränkt sich auf die Viertel: Auf der Bassdrum werden alle vier Viertel der 4/4 Takte gespielt. Die Hi-Hat wird auf den Backbeats Zwei und Vier getreten. Zusammen mit den Besen ensteht ein Fluss mit einem etwas „stampfenden“ Klang. So wie er im frühen Jazz häufig zu hören war. Very Old School! 🙂

Das Einüben geht relativ leicht und der Vorteil dieser Spielweise ist, dass auch sehr schnelle Songs als „Timekeeper“ sicher zu begleiten sind.

Ich wünsche sehr viel Spaß bei Ausprobieren und Üben! Es macht wirklich Freude, weil sich relativ zügig auch für die, häufig gefürchteten, schnellen Shuffles ein Erfolgserlebnis einstellt.

Christian W. Eggers – christian@stompology.org – 25. Dezember 2023 (letzte Aktualisierung dieses Artikels am 26. Dezember 2025)