Mehrere Monate irrte Musikproduzent Shel Talmy im Jahre 1964 mit dem Sänger und Komponisten Ray Davies sowie seiner Band durch verschiedene Londoner Studios. Der Titel „You Really Got Me“ wollte einfach nicht so klingen, wie Ray Davies es sich vorgestellt hatte.

Am 12. Juli 1964 entstand endlich in den IBC Studios auf einer 3-Spur-Ampex Bandmaschine  eine temporeich gespielte Fassung des Songs. Der Rest wurde Musikgeschichte.

But the record company said „look, we don’t believe in it. We’re very sorry, we don’t believe in it. If you want to make the record, fine, but you have to pay for the recording yourselves.“

Aus dem Album The Storyteller – The Third Single (Dialogue) – Ray Davies erzählt die Geschichte des Songs „You Really Got Me“

Et voilà! „You Really Got Me“ und die Kinks!

„Denn alles, so wird’s erzählt, fing an mit einem ruppig-ungebärdigen Riff. Überhaupt ist der Song als ein, wenn nicht als der Schlüsselmoment der Popgeschichte beschrieben worden, wobei der Pop ja nichts auslässt, keinen Superlativ. Aber es war wohl wirklich so, dass die Händchen haltenden Beatmusikjahrgänge den gierigen Rock entdeckten. Die Metamorphose vom Netten zum Bösen war eingeleitet, und wenn das einigen Bands nachgesagt wird, dann war es ohne Frage so, dass die Kinks den neuen Ton im August 1964 einführten.“  Christian Thomas – Frankfurter Rundschau vom 12.06.2015

Der Groove

Nun funktioniert ein Groove meist nicht aus dem musikalischen Kontext herausgerissen für sich alleine. Ein Faktor für die Spannung des Drumparts von You Really Got Me ist der Kontrast eines bisher nie so gehörten harten und nach vorne gemischten Beats mit dem melancholisch zerbrechlichen und bluesartigen Gesang von Ray Davies.

Ausgangspunkt der 4/4 Takte sind Achtelschläge auf dem Ride-Becken und den inzwischen üblichen kräftigen Snare-Backbeats auf der „2“ und der „4“. Also, nichts Aufregendes.

Bemerkenswert ist, dass die Becken-Achtel nicht so wie bisher in der „Beatmusik“ zumindest gleichberechtigt laut hörbar sind oder ein unüberhörbares Grundrauschen verursachen. Ein tief klingendes angecrashtes Becken ist jedoch unregelmäßig auf den Backbeats der Zählzeit Vier zu hören. Mehr oder weniger gleichzeitig zum Gitarren-Riff („dam da da dam dad“) wird ein Schellenkranz (von Kinks Drummer Mick Avory) geschlagen.

Interessant und neu für einen Beat aus dem London der 60er Jahre sind die Bass Drum Schläge  auf der „2-Und“ sowie der „4-Und“, synchron zum Gitarren-Riff. Wird der Beat mit Autorität und dem moderaten Tempo getrommelt, entsteht die für You Really Got Me typische Spannung aus Schwere und Luftigkeit des Grooves.

Ein derartig harter und dennoch musikalischer Beat hatte es zuvor nicht auf das Vinyl einer Hit-Single geschafft.

Das folgende Hörbeispiel basiert auf den oben gezeigten Noten.

Der Drummer – Bobby Graham

Wie so oft: Auf Debüt-Hit-Singles berühmter Bands sind aus den unterschiedlichsten Gründen die Drummer durch Studiomusiker ersetzt. So spielte nicht Mick Avory die Drums, sondern der englische Studiomusiker Bobby Graham.

The Sessionman

Das Werk von Graham ist beeindruckend. Er ist auf über 15.000 Titeln als Studio-Drummer zu hören. Link zur Discography Bobby Graham.

„With this recording (You Really Got Me) and many others, Bobby Graham offers the example of a musician many have heard, but too few have heard of. (You Really Got Me, Bobby Graham: In Memory; Gordon Thompson; Oxford University Press’s)

Graham war ein Session- und Studiomusiker aus Überzeugung. So hat er sich auch nie über den Ruhm, den er den auf Schallplatten-Covern ausgewiesenen Band-Drummern verschaffte, beklagt oder damit geprahlt. Ganz im Gegenteil.

Die Kinks setzten Nicky Hopkins und wohl auch Bobby Graham mit dem Song Session Man ein Denkmal. Der Titel der Bobby Graham Biografie lautet so auch The Session Man ( Patrick Harrington: Broom House Publishing Ltd., 12 Nov 2004 – ISBN 0-9549142-0-1.)

1997 nahm Ray Davies den Song You Really Got Me für sein Album The Storyteller in einer langsameren Version mit Graham am Schlagzeug erneut auf.

Ein sehr interessantes Interview mit Bobby Graham über seine Zusammenarbeit u. a. mit Ray Davies und den Kinks hat Mike Dolbear für seinen Drummer-Blog geführt. Auf http://mikedolbear.com/interviews/drummer-bobby-graham/ ist es nachzulesen.

Christian W. Eggers – 4. April 2021 (letzte Aktualisierung am 20. September 2022) – christian@stompology.org

Walzer? Das ist doch einfach „Wum-ta-ta“ und fertig. Von wegen! Dieser Artikel aus der Reihe „Berühmte Grooves“ beschreibt die Besonderheiten der Jazzwalzers am Beispiel der Grooves der Komposition „Blues Waltz“. Sie ist auf dem Max Roach Album „Jazz in 3/4 Time“ von 1956 verewigt.

Swingende Achtel scheinen geradezu darauf gewartet zu haben, für den Walzer entdeckt zu werden.

Bebop und Chansons

Jazz im 3/4 Takt war bis in die 50er Jahre eine Seltenheit. Die Swing-Ära mit ihren durchgehenden und tanzbaren 4/4 Drum-Grooves neigte sich 1945 langsam dem Ende zu. Eine neue Generation von Jazzmusikern begann mit sehr schnellen Rhythmen in verschiedenen Taktarten zu experimentieren. Snaredrum und Bassdrum benutzte man jetzt „hauptsächlich zur Akzentuierung von markanten Melodiestellen.“ (1) Die Bassdrum wird oftmals sparsam aber laut gespielt („Bomben“). Swing-Pattern auf den Becken sind meist rasend schnell und weniger wuchtig als sie in den Big Bands der 40er Jahre gespielt wurden.

Die neue Jazzrichtung wurde Bebop genannt. Der Jazzwalzer in verschiedenen Spielweisen wurde ein Bestandteil der Bebop Kompositionen. In Europa fand der Jazzwalzer ebenfalls in den 50er Jahren Eingang in französische Chansons.

Der 3/4 Takt Swing Groove

Max Roach erzeugte auch in den weniger aufwendig komponierten Grooves eine „Stimmung und Atmosphäre, die nicht so leicht nachzuahmen ist, wie es zunächst scheint.“ (2)

Zum Einüben des Grooves kannst du auch die Melodie der Schlagfolge singen: „Ding Din de ding – Ding Din de Tri-oh-la“. Der erste Schlag der Triole sitzt auf dem Becken als „Drei“ und die beiden folgenden Triolen-Achtel werden auf der Snare gespielt.

Der Drummer – Max Roach

Max Roach begann 1933 mit acht Jahren in Marschkapellen zu spielen. Seine Mutter, eine Gospelsängerin, erkannte das Talent ihres Sohnes und ermöglichte Roach das Studium der Kompositions- und Perkussionstechnik an der Manhattan School of Music. Max Roach experimentierte im Laufe seiner Karriere immer wieder mit Duo-Besetzungen und übertrug die Bögen der Melodieinstrumente auf das Schlagzeug. Insbesondere nahm er sich die Freiheit, in anderen Rhythmen zu improvisieren als dem gängigen Vierviertelrhythmus.

Das Ausprobieren von 3/4 Swing Figuren lohnt sich! Es bereichert das Repertoire und was noch wichtiger ist, es macht Spaß im 3/4 Takt zu swingen; so dass man geradezu in einen Swing-Walzer-Rausch gerät.

Christian W. Eggers – Kiel, 31. März 2021 (letzte Aktualisierung dieses Artikels: 2. April 2021 – christian@stompology.org – Du kannst diesen Artikel über das Formular ganz unten auf dieser Seite kommentieren. Der Autor freut sich über Anregungen und Ergänzungen.

Literatur

• (1) Joachim Fuchs-Charrier, History of Drumsetplaying, Seite 19
• (2) Rich Lackowski, Drum Masterclass, Seite 153
• (3) Niels-Constantin Dallmann, „Musikterminologie erklärt: Walzer und 3/4 Takt“

Bildnachweise

• Kystone Korner Titel- und Beitragsbild: Exterior view of Keystone Korner, San Francisco jazz club at 750 Vallejo in North Beach. Saxophonist Odean Pope of the Max Roach Quartet poses in front (11/16/82). Photo: Brian McMillen / brianmcmillen@hotmail.com – CC BY-SA 3.0 via wikipedia
• Max Roach: Max Roach ca. 1947 This work is from the William P. Gottlieb collection at the Library of Congress. In accordance with the wishes of William Gottlieb, the photographs in this collection entered into the public domain on February 16, 2010. Via wikipedia

„Kannst Du mal einen Mitch Mitchell Beat dazu spielen?“ Wer sich Ende der 60er Jahre an den Trommeln verschiedener Bands abgemüht hat, wird diese Frage der Gitarristen vielleicht noch kennen. Meistens bahnten sich damit ausschweifende Gittarrensolos an.

Manchmal ist es inspirierend ein wenig von dem Ursprünglichen der Schlagzeug-Pioniere in das inzwischen Gewohnte zurückzuholen. Grund also, den Mitch Mitchell Beat genauer zu betrachten und anzuhören. Am Ende dieses Artikels findest du eine Anregung zur Herangehensweise deine eigenen Grooves im Mitch Mitchell Stil zu komponieren.

Um einem Missverständnis vorzubeugen: Es geht in diesem Artikel um den besonderen Groove aus 8tel und 16tel Bestandteilen als Gerüst und um die Inspiration zu eigenen Variationen der 8tel und 16tel Figuren. Zum Studium der zahlreichen elegant „explodierenden“ Mitchell Fills, herausragendes Markenzeichen Mitchells,  findest du auf YouTube recht ausführliche Beispiele.

Aus Beatmusik wurde Rockmusik

Der Schlagzeuger Mitch Mitchell war in der Periode des Überganges von der Beatmusik zur Rockmusik eine treibende Kraft weit über das Werk der Band Jimmy Hendrix Experience hinaus. Denn mit der am 23. Oktober 1966 in London aufgenommenen Single Hey Joe wurde nicht nur eine neue Dimension des Gitarrenspiels eröffnet.

Den Basis-Groove des ursprünglich aus der Folkmusik stammenden Songs Hey Joe prägt eine Kombination aus 8tel und 16tel Schlägen. Kombinationen von 8tel-Figuren und 16tel-Figuren auf den Pulsschlägen zu einem Basis-Groove gehören heute in das Standardrepertoire der Rockschlagzeugerinnen und Rockschlagzeuger auf der ganzen Welt.

Die 16tel-Figuren (im Wechsel mit 8tel-Figuren) sind damit keine improvisatorische Verzierung, sondern jetzt ein Merkmal des Grooves. Das gab es bis 1967 in den Hits der englischen Produktionen nicht so konsequent und einprägsam zu hören.

Der Mitch Mitchell Beat

Zum Erkennungssong von Jimmy Hendrix wurde seine erste Single Hey Joe (Link zu YouTube). In dieser ersten Aufnahme der „Experience”  ist das Fundament der später in Fachzeitschriften und von Musikerinnen und Musikern als Mitch Mitchell Beat bezeichnete Spielweise schon gelegt.

„Von wegen Vierviertelknecht“

Über Mitch Mitchell ist viel geschrieben worden. Einen informativen Nachruf hat die Süddeutsche Zeitung zum Tode von Mitch Mitchell am 14. November 2008 veröffentlicht.

Grooves im Mitch Mitchell Stil komponieren

Mit der Möglichkeit 8tel und 16tel Figuren in einem Takt entsprechend des Könnens und des Empfindens zu mischen, besteht die Option, Grooves in zahlreichen Variationen zu komponieren. So können Schlagzeugerinnen und Schlagzeuger ihre eigenen Grooves finden und erfinden.

Ich wünsche viele gute Ideen bei dem Ausprobieren der Kombinationsmöglichkeiten und Freude beim Nachspielen der Beats im Mitch Mitchell Stil.

Christian W. Eggers, 24. März 2021 (Letzte Aktualisierung dieses Artikels am 4. Oktober 2021) christian@stompology.org

Das unberechnbare Showgeschäft produziert seltsame Geschichten und Wunder. One-Hit-Wonder! Eine kaum an Skurrilität zu übertreffende Geschichte ist die des Songs Surfin‘ Bird und der Surf-Band The Trashmen (Die Müllmänner) aus Minneapolis. Vielleicht hatten die Beach Boys recht: „…everybody had an ocean“. Minneapolis liegt im Mittleren Westen der Vereinigten Staaten am Mississippi River.

Wie ein einfacher Beat der regionalen Modeerscheinung  „Surf Sound“ zu einem DNA Baustein des modernen Rockschlagzeugs wurde und wie du diesen Beat spielen kannst, davon handelt dieser Artikel.

Der Song „Surfin‘ Bird“

Den Prototyp des puren Surf Beat beinhaltet der spektakuläre Songs Surfin’ Bird. Dazu gleich mehr.

Well, everybody knows

Surfin’ Bird ist eine Kombination der Stücke The Bird’s the Word und Papa-Oom-Mow-Mow der Doo-Wop-Gesangsgruppe The Rivingtons. Aber was soll’s. 58 Jahre weiter, also heute, ist das Klauen unter der Bezeichnung Sampling gefeierte Errungenschaft der Technik zur Verwirklichung künstlerischer Freiheiten. Man muss noch nicht mal mehr selber ein Instrument spielen können.

Es bleibt die Frage, ob Surfin’ Bird ein gekonntes Klauen war und ob diese, in den Kay Bank Studios in Minneapolis übersteuert aufgenommene und entfesselte Dröhnung eine Wegmarkierung der Musikgeschichte darstellt. Mehr oder weniger schmeichelhafte Superlative sprechen dafür.

 „Surfin‘ Bird“ is one of the silliest records ever made, but guaranteed to make you laugh and stomp- a your feet“.

Gary Peterson, Discographical Annotation, “Cowabunga! The Surf Box“, Rhino Records

Der Song, veröffentlicht im November 1963, erreichte 1964 Platz vier der Billboard Hot 100 (!) und konkurrierte mit einem Song einer noch wenig bekannten Band aus England um die Spitzenplatzierungen: I Want To Hold Your Hand von The Beatles. Die Trashmen waren sozusagen das letzte Bollwerk gegen die „British Invasion„.

Der Surf-Beat ballerte aus tausenden Garagen

In einer Konzertkritik aus dem Jahr 2008 wurden die verbliebenen Musiker der Trashmen als Ikonen des Surf-Trash-Garagenbeats bezeichnet (taz). Das ist mehr eine Ehre als eine Beleidigung und auch nicht falsch:  Mit der hohen Verbreitung der erfrischenden Laienhaftigkeit, weit über den Empfangsradius des kalifornischen Surf-Senders KFWB hinaus, ermutigte er eine ganze High School Generation zur Gründung von Bands. Schon bald ballerte der Surf-Beat (Boom, Duh-Duh, Boom, Duh) im ganzen Land aus tausenden Garagen der Elternhäuser des weißen Mittelstandes.

„A-well, a bird, bird, b-bird’s the word

A-well-a don’t you know about the bird?

Well, everybody knows that the bird is the word“

Song-Text Zeile Surfin‘ Bird

Der Surf Beat am Schlagzeug

Der Surf Beat wurde zum Innbegriff der Spielweise des frühen Rockschlagzeugs. Treffender als der Buchautor und Schlagzeuger Daniel Glass es getan hat, ist der Surf-Beat nicht zu beschreiben:

„Was auch immer die Ursprünge sein mögen, hier ist der Surf-Beat in all seiner einfachen Pracht. Im Wesentlichen ist der Groove nur ein Standard-Rock’n’Roll-Pattern mit einem zusätzlichen Snare-Schlag, der an das „und“ der 2 angeheftet ist. Das resultierende Kick / Snare-Pattern (Boom, Duh-Duh, Boom, Duh) wird für immer mit der Musik der 60er Jahre verbunden sein.“

Der Drummer – “It was pure rock ‘n’ roll”

Im Nachruf der ameikanischen Nachrichtenagentur AP ist über Steve Wahrer zu lesen: “Dal Winslow, a founder of the group and now a computer systems analyst, said `Wahrer was one of the first drummers to use a heavy, heavy, foot-pedal beat. A driving, real danceable style. It was pure rock ‘n’ roll.´“

Wie die Party endete

Die Surf-Wellen brandeten immerhin fast sieben Jahre. Kaum eine der Bands mit den seltsamen Namen und den bis zum Anschlag aufgedrehten Hall-Potis ihrer Fender Verstärker überlebte. Die Beatles und die Rolling Stones setzten andere Maßstäbe. Und die einheimischen Party-Surfer wurden Fans amerikanischer Folk-Musiker und Psychedelic-Rock Bands der Hippie-Bewegung.

Einige Kompositionen im Surf-Sound klingen auch heute noch nach Sonne, Strand und Meer. Spektakuläre und bis in das letzte Detail ausgefeilte Drum-Cover des erfolgreichen Titels Wipe Out tauchen in den YouTube Kanälen junger Schlagzeugerinnen auf.

Andere zeitlose Songs der Surf-Sound Ära werden heute gerne zur Untermalung von Filmszenen verwendet. So etwa The Lonely Surfer von Jack Nitzsche. Den Beach Boys gelang mit Pet Sounds 1966 der Befreiungsschlag aus der „Surf-Ecke“ und die Meisterwerke „eines der ersten Alben, die aus der Überzeugung entstanden, dass diese Musik auch noch Generationen später gehört und geschätzt werden würde.“ (wikipedia)

Und was wurde aus den Garagen-Trommlern mit dem Boom, Duh-Duh, Boom, Duh und ihren Bands? Das ist eine andere spannende und wahrscheinlich sehr lange Geschichte.  

In diesem Sinne: COWABUNGA!

(Cowabunga = freudiger Ausruf in der Surfer-Szene über ein positives Ereignis)

Christian W. Eggers, 17. März 2021 (letzte Aktualisierung dieses Artikels am 20. März 2021) (christian@stompology.org)

Quellen:

• Early Rhthm And Blues Drumming, Daniel Glass, Alfred Verlag
• Gary Peterson, Discographical Annotation, “Cowabunga! The Surf Box“, Rhino
• “One-Hit-Wonder”, Jenny Zylka in der „taz. die tageszeitung“  vom 25. 4. 2008
• The Associated Press (AP), Nachruf Steve Wahrer: „Trashmen Drummer Steve Wahrer Dies At 47“
• Wikipedia über das Album Pet Sounds der Beach Boys
• Artikelfoto: Croyde Bay / unsplash.com

Drummer verbinden mit den Motown-Produktionen der 60er Jahre häufig einen treibenden Snare-Beat, der als der Motown Beat (oder auch Motown Groove) bezeichnet wird. Wie du diesen Beat am Schlagzeug spielen kannst und wie er berühmt wurde, erfährst du mit diesem Artikel.

Hintergrund Motown Records

Mit 800 Dollar Starkapital gründete Berry Gordy im Januar 1959 „Talma Records“. Aus dem Label wurde ein Jahr später „Motown Record Corporation“ und eine Hit-Fabrik, ansässig in der Autostadt Detroit.

Gordy hatte feste Vorstellungen, wie Soul für die Masse klingen sollte. Mit bändigen Eingriffen in die Spiel- und Gesangsgewohnheiten „seiner“ Musiker verfolgte Gordy das Ziel, Soul und R&B bei der weißen Bevölkerung salonfähig zu machen.

Gordy wurde reich. Von den weißen Plattenbossen hatte er sich wahrscheinlich zuvor als Songschreiber abgeschaut, wie man fremde Talente vermarktet. Dem von Gordy engagierten Songschreiber- und Produzententeam „Holland-Dozier-Holland“ ist ein entscheidender Anteil am Erflog der Mowton-Interpreten und an einem rasanten Wachstum der Verkaufszahlen zuzuschreiben.

Portrait der ByteFM Redaktion: „Berry Gordy – der Mann hinter Motown wird 90 Jahre alt“

Der Motown Beat am Schlagzeug

Ein in Motown-Produktionen öfter verwendeter und neuartiger Beat wurde zum rhythmischen Markenzeichen. Er ist in zahlreichen Hits aus dem Hause Gordy zu hören.

Beispiele für Songs im Motown Beat

• „Stop! In The Name Of Love” (The Supremes)
• “Reach Out I’ll Be There” und
• “I Can’t Help Myself“ (beide Titel gesungen von den The Four Tops).

Dieser Beat ist wahrscheinlich das ursprünglichste und eigenständigste der häufig mit orchestralen Overkill arrangierten Motown-Produktionen.

Besonderheit des Motown Beat

Die Besonderheit dieser Schlagfolge liegt in den stringent gleichlaut „durchgespielten“ Vierteln auf der Snare Drum sowie der sparsamen und wirkungsvollen Bassdrum zwischen den Snare-Schlägen (im Basis-Beat auf der „3-Und“ und der „4-Und“).

Mittels großzügigem  Overdubbing wurden meist zahlreiche weitere Percussion-Klänge hinzugefügt, wie etwa Schellenkränze auf den Backbeats der 4/4-Takte (also auf 2 und 4). Starke Echo- und Halleinstellungen lassen das Schlagzeug im Klangbild der Songs nach hinten treten, so dass die redundaten Snare-Viertel nicht nerven.

Ein berühmtes Beispiel für eine mitreißende Spielweise einer Abwandlung des Motown Beat ist in dem Song „Keep on Running“ (1965) der Spencer Davis Group mit Pete York am Schlagzeug zu hören und zu sehen.

Schwierigkeitsgrad

Wenn die Spielweise neu ist, ist das konstante Spielen der Viertel-Schläge auf der Snare mit der linken Hand in Kombination mit der Und-Bassdrum von den Bewegungsabläufen nicht sofort „intus“. Einmal richtig „in der Rille“ und locker gespielt treibt der Groove enorm. Es ergeben sich spannende Möglichkeiten des Zusammenspiels, insbesondere mit dem Bass.

Ich wünsche viel Freude beim Ausprobieren und Experimentieren!

Christian W. Eggers, 8. März 2021 (letzte Aktualisierung dieses Beitrags am 16. März 2021)

christian@stompology.org

Lesetipp: „Guitars, Bars, and Motown Superstars“ von Dennis Coffey